<![CDATA[sentir el cine - Blog]]>Mon, 14 Mar 2016 06:17:59 -0700Weebly<![CDATA["Spotlight"]]>Sun, 13 Mar 2016 17:46:00 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/spotlight
Calificación: 4,3 sobre 5. (Muy buena).

   Excelente película cuyo título "Spotlight" hace referencia al nombre del equipo de investigación del periódico "The Boston Globe" que en 2001 destapó una gran trama de encubrimiento de delitos de abuso sexual a menores por sacerdotes durante varias décadas, y salpicó a la archidiócesis de Boston. 

   La cinta empieza el día en que Martin Baron (Liev Shreiber) llega al "The Boston Globe" como nuevo editor. En la primera reunión con su equipo saca a colación una columna que había leído en el diario sobre un presunto caso de pederastia por parte de un sacerdote, y pregunta por qué no se tiró de la manta y se publicó más sobre tan importante noticia. Un periodista le contesta que la gente de Boston por encima de todo ama el beisbol, y que quienes mandan en dicha ciudad son los irlandeses católicos; a lo que Baron replica explicándoles que es soltero, judío y no le interesa el beisbol. A partir de ahí un equipo de reporteros de élite de "Spotlight" interpretados por Michael Keaton, Rachel McAdams, Marck Ruffalo, Brian d'Arcy James y John Slattery, estuvieron trabajando durante varios meses hasta desenmascarar unos casos de pederastia que llegaron a salpicar a toda la Iglesia Católica, y cuyo trabajo fue premiado con un premio Pulitzer.

   El largometraje dirigido por el también actor Tom McCarthy, quien escribió el guión junto con Josh Singer, nos va mostrando las diferentes líneas de investigación que llevan a cabo cada uno de los reporteros, que tienen que hacer frente a obstáculos burocráticos, contrastar la información, entrevistarse con las propias víctimas cuyas vidas quedaron heridas de muerte por los abusos que sufrieron en sus infancias. Una historia sobria, inteligente, con buen ritmo y que funciona como un thriller que me mantuvo enganchada desde el principio del film. Potenciado, además, por las excelentes interpretaciones, sobre todo -Mark Ruffalo- que interpreta a Mark Rezendes, un periodista permanentemente indignado por el secretismo y la impunidad de las autoridades eclesiásticas, y la complicidad entre la autoridad civil y religiosa.

   La cinta recuerda a la extraordinaria "Todos los hombres del presidente"  (Alan J. Pakula, 1976), sobre el caso Watergate. Periodistas entregados en cuerpo y alma a la búsqueda de la verdad y obsesionados por sacar a la luz los tejemanejes de los distintos poderes sociales y políticos. 

   Los créditos del final de la película proyectan una lista con 200 ciudades de todo el mundo donde la Iglesia trató de proteger a curas pederastas. Una curiosidad, dicha lista incluye dos ciudades españolas: Granada y Comillas.

   Merecedora ha sido el Oscar a Mejor Película en los premios de este año. 

   Otras películas dirigidas por Thomas McCarthy son:
"The visitors" (2007)
"Vías cruzadas" (2003)
"Win Win: Ganamos todos" (2011)
También fue el guionista de "Up" (2009)
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<![CDATA["El renacido"]]>Sun, 14 Feb 2016 16:58:32 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/el-renacido
Puntuación: 4,1 sobre 5. (Muy buena)

   Impactante film del realizador mexicano Alejandro González Iñárritu, basado en la historia real de Hugh Glass (Leonardo DiCaprio), un explorador y cazador de pieles que tras ser atacado por un oso,  fue abandonado por sus compañeros, sobreviviendo a un durísimo invierno y recorriendo más de 300 kilómetros hasta llegar a su campamento.

  La película transcurre en la década de 1820, época en la que una parte de lo que hoy conocemos como Estados Unidos acababa de ser adquirida, y en la que el Lejano Oeste aún no existía. Allí convivían mexicanos, británicos, franceses y las tribus nativas. Una mezcla de razas donde las relaciones humanas eran muy complicadas, pues no había leyes ni reglas. La esclavitud era legal, y el negocio de las pieles era el más importante de EEUU. En Europa, sobre todo los franceses demandaban las pieles, y aunque en un principio eran las tribus nativas quienes se las vendían a los europeos, pronto los empresarios norteamericanos empezaron a llegar a sus campamentos a comerciar con las tribus, hasta que deciden salir a cazar por su cuenta. Ésto produjo el enfado de las tribus que veían cómo los americanos empezaban a invadir sus territorios.

   Iñárritu nos muestra en toda su crudeza como vivían esos cazadores, en su mayoría tramperos y fugitivos a los que les pagaban una miseria, pues lo que cazaban era para la compañía que le había contratado. 

   La película se centra en el viaje físico-emocional de su protagonista Hugh Glass, interpretado por un desafiante Leonardo DiCaprio, capaz de expresar con sólo sus ojos y su cuerpo: el miedo, el frío, la desolación...pues hay escenas excesivamente largas en las que no dice ni una palabra y, sin embargo, consigue que mantuviera el interés durante esas secuencias. En su afán por seguir con vida, aguantará y sobrevivirá para vengarse de quienes le abandonaron, especialmente de la traición de John Fitzgerald (Tom Hardy). Espectacular y realista es la escena de DiCaprio donde es atacado por un oso pardo. Algo nada inusual en aquéllos tiempos, donde el hombre estaba expuesto a muchísimos peligros y violencia; no sólo por el ataque de animales, sino también por los salvajes ataques entre las tribus, cazadores y tramperos. 

  Aunque el cineasta muestra con un increíble realismo y crudeza los difíciles momentos por los que pasa Glass, también refleja los silencios como un instrumento para darle al protagonista una dimensión más espiritual. Como los flashbacks que nos revelan quién es Hugh, qué está pensando, qué pasó en su pasado con su esposa y su hijo...

   A pesar de que el film cuenta con una fotografía impecable de la mano de Emmanuel Lubezki, está filmada en espacios naturales bellísimos y duros (Calgary, Canadá) y contar con unas interpretaciones soberbias, no sólo DiCaprio, también Tom Hardy le da la réplica a un altísimo nivel, a la película le sobran treinta minutos de metraje. 

   Otras cintas de Alejandro González Iñárritu recomendables son:
21 Gramos (2003)
Babel (2006)
Biutiful (2010)
Birdman (2014)

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<![CDATA["Steve Jobs"]]>Thu, 21 Jan 2016 18:20:40 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/steve-jobs
Calificación: 4,2 sobre 5. (Muy buena)

   Inspirada en la biografía (autorizada) de "Steve Jobs" escrita por Walter Isaacson, el film no es un biopic al uso, es un retrato del cofundador de Apple en tres actos. El primero en 1984, cuando Jobs y su equipo están preparando la presentación en San Francisco del primer MACINSTOSH, el segundo en 1989 -momento en el que Steve ya había sido despedido de la compañía- y presenta el NEXT,  un ordenador destinado al mundo de la educación, que en realidad fue una estrategia para volver a Apple (o por lo menos, es lo que deja entrever la película); y el tercer acto, sitúa la acción en los años noventa con la presentación del IMAC.

   Dirigida por Danny Boyle (Trainspotting) y escrita por Aaron Sorkin (La red social), quien por cierto, ha ganado el Globo de Oro a Mejor Guión Adaptado, la cinta es una narración abierta del carismático Jobs. Cuenta con unos diálogos brillantes y muy inteligentes. La puesta en escena es trepidante y la información que nos proporciona es desbordante. En algunas secuencias me resultó agotador mantener la atención.

   La acción se desarrolla en espacios pequeños y siempre en la trastienda -en los momentos previos a la presentación del artilugio de turno-, pero sin llegar a ver el lucimiento de Jobs, sus discursos ante el gran público que acudía a sus presentaciones como si fueran a ver al mismísimo "Dios".

  Cada momento se presenta con el mismo formato: Steve acompañado de la ejecutiva de Marketing, Joanna Hoffman (interpretada por la impecable Kate Winslet -ganadora del Globo de Oro a Mejor Actriz de Reparto-. Joanna será la única persona capaz de hacerle frente al magnate, la que le aconseja y le habla claro. También veremos a Jobs dialogando con Steve Wazniak (Steth Rogen) y con John Sculley (Jeff Daniels); así como con la madre de su hija y primera novia: Chrisann Brennan; pero sobre todo, con su hija: Lisa Jobs (a quien no reconoció en un principio como suya) presentada en el film como el elemento humano de un hombre que dedicó su vida a crear productos perfectos, pero que fue incapaz de expresar sus sentimientos. Una personalidad fría, egocéntrica y muy competitiva. Buscaba la excelencia en todo aquéllo que hacía. 

   Michael Fassbender está perfecto en el papel de Steve Jobs. Hace una brillante interpretación, se mimetiza con el personaje de una manera natural, portentosa. Es uno de los mejores actores del momento. Merecidas son sus nominaciones al Oscar y al Globo de Oro como Mejor Actor Principal.

   En definitiva, la cinta es una apasionada historia de un personaje que empezó de la nada y llegó a lo más alto, profesionalmente hablando.

   Otras películas que también retratan la vida del gran gurú de la informática fue "JOBS" (2013) de Joshua Michael Stern, con Ashton Kutcher en la piel del cofundador de Apple.
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<![CDATA["Sufragistas" ("Suffragette")]]>Fri, 08 Jan 2016 20:16:02 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/sufragistas-suffragette
Calificación: 4,5 sobre 5. (Muy buena).
 
   El film -que mezcla historia y ficción- pone de manifiesto los movimientos de un grupo de mujeres que lucharon por su derecho al voto en Inglaterra, antes del inicio de la Primera Guerra Mundial (1914-1918).

   La protagonista "Maud" (espléndida Carey Mulligan) y su marido trabajan en una lavandería en condiciones infrahumanas y explotados. La peor parte, se la llevarán las mujeres, pues allí -madres e hijas- se someten a jornadas interminables, son víctimas de abusos sexuales por parte de los jefes y, sufrirán enfermedades respiratorias debido a los tóxicos
de los productos que utilizaban para la desinfección de la ropa.

   Maud, ante la sumisión y conformismo que vemos al principio de la película -pues está casada y tiene un hijo al que adora- irá uniéndose a los primeros movimientos feministas que protestan de manera más pacífica, pero cuando comprueba que con dichos actos no consiguen los resultados deseados, decidirá dar un giro de 180º y radicalizarse, utilizando la violencia para forzar el cambio de una sociedad que consideraba a las mujeres como seres inferiores, no podrían tomar ninguna decisión sin el permiso del marido o el padre, estaban incapacitadas para desempeñar cargos públicos relevantes...

  Las "suffragette" estaban dispuestas a sacrificarlo todo: sus casas, su trabajo, sus hijos...por conseguir su "DIGNIDAD". A través de la protagonista iremos conociendo las tácticas del movimiento, la división de ideas entre las que estaban a favor de cometer actos violentos, y las que estaban en contra.

   La cinta está dirigida por Sarah Gavron (Brick Lane) y cuenta con un extraordinario reparto de actrices como: Helena Bonham-Carter (en el papel de la activista Edith Ellyn); Anne-Marie Duff (Violet Miller) y Meryl Streep, quien aparece sólo cinco minutos, pero en un papel con mucho significado, pues interpreta a Emmeline Pankhurst, la principal líder del movimiento "suffragette", que a diferencia de las "sufragistas" estaban a favor de prácticas más agresivas. Su lema era "Acciones, no palabras".

   La película es un excelente retrato político y social de la época. Es dura, rigurosa, sin caer en sentimentalismos. Una historia imprescindible para comprender mejor nuestro tiempo y valorar lo que las mujeres del siglo pasado sacrificaron para que "hoy" -con excepciones- en la mayoría de los países democráticos se ejerza este derecho político y constitucional a votar a los cargos públicos electos, así como a ser votados.

   En 1918, en un acto del Parlamento británico para cambiar el sistema electoral, se consiguió el derecho al voto para todos los hombres mayores de 21 años y a las mujeres mayores de 30 años. Esta discrepancia, apunta a que se tenía la intención de asegurar que los hombres no se convirtieran en una minoría de votantes como consecuencia del gran número de muertos durante la Primera Gran Guerra.

   Magnífica película que nos adentra en la revolución del derecho del sufragio femenino. Las imágenes finales ponen los pelos de punta.

  Hace años que no asistía a una sala de cine en la que el público al finalizar el film, aplaudía. Me emocioné.



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<![CDATA["Del revés" (Inside Out)]]>Sun, 27 Sep 2015 18:51:41 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/del-reves-inside-out
Calificación: 4.2 sobre 5. (Muy buena).

   Riley es una niña de 11 años, inocente, feliz, deportista...que a partir de un acontecimiento traumático -el traslado con su familia desde Minesota a San Francisco- perderá todo aquello que conocía, su "zona de confort", siendo expuesta a un dilema que tendrá que solucionar con la ayuda de sus emociones.

   La protagonista se guiará por unos personajes que se encuentran en su cabeza, y que son los responsables de sus emociones: ALEGRÍA, IRA, ASCO, MIEDO y TRISTEZA. Ellos tomarán las decisiones de Riley, trazarán su destino, almacenado sus recuerdo positivos en pequeñas habitáculos llamados "ISLAS". 

  Cuando la niña sufre el cambio de hogar, todo a su alrededor se viene abajo: la relación idílica con sus padres, la desconexión con sus amigos...sus recuerdos se volverán grises. A partir de ahí, ALEGRÍA Y TRISTEZA lucharán para rescatar a Riley de este pozo sin fondo, el cual puede ser decisivo para la formación de la personalidad de la protagonista.

   Las "emociones" no aparecen en el film como buenas o malas en si mismas, nos iremos dando cuenta que cada una de ellas tiene una importancia diferente y que todas son "necesarias" en un momento dado en la vida de Riley. ALEGRÍA es la líder del grupo, y la principal protagonista en la mente de la niña, pero a pesar de ser la emoción socialmente mejor vista, veremos que no es siempre el mejor estado de ánimo, pues se dará cuenta de que a veces es necesaria la ayuda de los demás; así "TRISTEZA", personaje inicialmente desagradable, pasará a ser un elemento "clave". Se convertirá en la inseparable compañera de viaje de "ALEGRÍA", se irá superando a sí misma e irá resolviendo cada uno de los conflictos que se les presentan en el camino.

   Lo mejor de la película de PIXAR es su desarrollo narrativo, su original guión y, por supuesto, la dirección de Pete Docter que me resultó "ingeniosa" y "exquisita". 

  "Del revés" es una auténtica lección magistral de educación emocional. No es una película para niños menores de nueve años, pues no creo que lleguen a entender todo el entramado que se esconde detrás de cada uno de los protagonistas. Quizás sí les pueda entretener, pero sólo eso.

​  Otras películas de PIXAR dirigidas por Pete Docter son: "UP" y "Monstruos S.A."

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<![CDATA["Siempre Alice"]]>Sun, 08 Mar 2015 17:59:38 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/siempre-alice
Calificación: 3 sobre 5. (Buena).

   Alice (Julianne Moore), una prestigiosa profesora universitaria de lingüística, casada y con tres hijos, que comienza a olvidar algunas palabras y a tener lapsus mentales, decide someterse a unas pruebas médicas que revelan que está sufriendo la etapa inicial de la enfermedad de Alzheimer.

   Adaptación de la novela de Lisa Genova que describe la enfermedad más dura que puede padecer un ser humano, y que se ceba sobre una mujer que acaba de cumplir 50 años. 

   Dirigida por Richard Glatzer y Wash Westmoreland ("Quinceañeras"), "Siempre Alice" es una película compacta y absorbente que proyecta en pantalla -de una manera delicada- el tremendo drama de una mujer brillante, inteligente y con una gran personalidad que deja de ser ella misma. Iremos viendo el impacto que tiene la enfermedad sobre la vida de Alice, su día a día, la impotencia que supone perder la memoria, no sólo en su vida profesional -recordemos que es profesora universitaria-, sino también en su vida familiar y social. La protagonista se encerrará en si misma y en su fuerza de voluntad para no desvelar su problema a su entorno más cercano. 

  Lo mejor, sin duda, la sensacional interpretación de Julianne Moore, que después de cuatro nominaciones a los Oscar, ha conseguido la estatuilla a la Mejor Actriz Principal por este papel.

  Julianne Moore se luce sin caer en el sentimentalismo, y transmite la fuerza dramática en su justa medida. Sus miradas, sus gestos y su aspecto físico consiguen plasmar en pantalla el proceso de degradación de una manera honesta y veraz. Brillante el momento en el que no reconoce a su hija (Kristen Stewart) tras una representación de teatro. 

  Correctos, Alec Baldwin (su marido) y Kristen Stewart, quienes forman parte del plantel principal del film.

  Otras películas que han tratado el tema del Alzheimer han sido:
-"Amor" de Michael Haneke, Oscar a Mejor Película de habla no inglesa en 2012.
-"Iris" (2001) de Richard Eyre. Con Kate Winslet y Judi Dench. 
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<![CDATA[El francotirador]]>Sat, 28 Feb 2015 18:27:28 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/el-francotirador
Calificación: 3 sobre 5. (Buena).

   Inspirada en la vida real de un tejano de la América profunda, Crhis Kyle (Bradley Cooper), un tirador de élite que cuando George Bush invade Irak, decide alistarse como marine (en los Navy SEAL, principal fuerza de operaciones especiales de la armada de los Estados Unidos). El sentido de patriotismo de Kyle le llevó a cuatro peligrosas misiones en la guerra de Irak, convirtiéndose en "leyenda" por haber matado a más de 160 personas.

  "El francotirador", último film del director Clint Eastwood -que ha contado con seis nominaciones a los Oscar- ha generado mucha polémica en Estados Unidos: entre la derecha, por un lado, que la ven como una película muy patriótica y fantástica; y la población más progresista, por otro, que la cuestionan por elevar a los altares a un asesino; y, sobre todo, porque el largometraje pone de manifiesto cómo ese país no puede reintegrar en la sociedad a esos soldados que marcharon a Irak. 

   La película, en mi opinión, es mucho más que un film de preguerra o antiguerra, es un drama familiar marcado por las terribles consecuencias de una injustificada guerra. Una mirada desoladora de un personaje y su obsesión desmesurada por proteger a sus compañeros de armas, a su familia y al país entero, tras los atentados del 11-S.

   "El francotirador" va y viene entre los cuatro despliegues en el frente y el hogar del protagonista, donde su esposa (Sienna Miller), le espera con el corazón en un puño cada vez que regresa. 

  Eastwood intenta humanizar en el film al tirador más letal de Estados Unidos, describiendo su niñez con un padre muy religioso y severo, sus hazañas bélicas, y su incapacidad para llevar una vida familiar normal. Iremos viendo cómo Kyle se siente mejor con un rifle en la mano que en su hogar rodeado de su mujer y sus hijos. El realizador plasma con claridad la acuciante pérdida de humanidad del protagonista, cada vez que vuelve de una misión en Irak.

   Notable, la interpretación de Bradley Cooper, quien consiguió mimetizarse con el personaje a quien encarna, pues engordó considerablemente, y se puso fuerte y musculoso para hacer más creíble su personaje. Cooper es la contención personificada en la piel de un francotirador capaz de transmitir ira, temor y dolor, con sólo una mirada. Consiguiendo, así, la tercera nominación consecutiva al Oscar, -que no ha conseguido, finalmente, pues ha sido el actor Eddie Redmayne quien le arrebató la estatuilla por su solvente interpretación en "La teoría del todo", dando vida al astrofísico Stephen Hawking-. 

   El largo del cineasta de 84 años, Clint Eastwood, mantiene puntos en común, desde el punto de vista argumental, con la magnífica "Enemigo a las Puertas" de Jean Jacque Annaud (2001), y con "En Tierra Hostil" de Kathryn Bigelow (2008), ambientada también, ésta última, en la guerra de Irak.

   "El francotirador" no es la mejor película de Eastwood, tiene algunos bajones de ritmo hacia la mitad del film. Lo más significativo ha sido: la interpretación de Bradley Cooper, su creciente pérdida de humanidad conforme va desarrollándose la historia, y la plasmación de las consecuencias nefastas de la intervención militarista en la vida civil.
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<![CDATA["La teoría del Todo"]]>Sun, 01 Feb 2015 21:54:00 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/la-teoria-del-todo
Calificación: 4 sobre 5. (Muy buena).

   "La teoría del Todo" narra la historia de amor entre el astrofísico Stephen Hawking (Eddie Redmayne) y su primera mujer, Jane Wilde (Felicity Jones), en el proceso que va desde su época universitaria en Cambridge hasta su separación en 1991. Entre medias, iremos viendo la consagración del científico en una eminencia internacional, cuya escalada intelectual irá en paralelo con su caída física que acabará postrándole en una enorme silla de ruedas.

   La película, dirigida por James Marsh, e inspirada en el segundo libro autobiográfico de su esposa -Jane Wilde-, no se centra en la lucha de Hawking contra la enfermedad de la neurona motora, -lo que hoy conocemos como esclerosis lateral amiotrófica (ELA), que produce la degeneración de toda la musculatura voluntaria del cuerpo-, ni tampoco sobre la teoría matemática del inicio del Universo, el Big Bang, sino en la historia de amor de una pareja ejemplar: de un hombre -Stephen- que aún teniendo el cuerpo devastado por una enfermedad degenerativa, mantiene intacta su inteligencia superdotada; y, sobre todo, de una mujer -Jane- enamorada y abnegada esposa que, aún sabiendo que posiblemente a su marido le quedaran un par de años de vida, tomó la valiente decisión de estar a su lado para que investigara en sus teorías. Jane le cuidó, crió a los tres hijos que tuvieron en común, sacrificando su propia ambición.
  El film refleja muy bien esa parte donde vemos a una mujer sobrepasada por las circunstancias y atrapada en una vida que ella elige de manera voluntaria. La degradación del matrimonio no es un intercambio de reproches, es un diálogo en el que ninguno de los dos se saltará ninguna norma. 

   Justas han sido las nominaciones al Oscar de Eddie Redmayne, quien ya se ha adjudicado el Globo de Oro a Mejor Actor de drama, y que le vimos en "Mi semana con Marilyn", de Simon Curtis, (2011); y en "Los Miserables" de Tom Hooper (2012); un actor que no sobreactúa, aunque la degradación física de su enfermedad se preste a ello; y la de Felicity Jones: espléndida, quien consigue dar a su personaje el matiz justo cada vez que le vemos en pantalla. Los dos actores están contenidos, pero dignos. 

  La película cuenta con una puesta en escena sensible y elegante con un toque muy británico. Y una preciosa banda sonora de la mano del islandés Johann Johansson.

   
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<![CDATA["Whiplash"]]>Sun, 25 Jan 2015 15:38:47 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/whiplash
Calificación 4 sobre 5. (Muy buena).

   "Whiplash" versa en torno a un joven músico, un baterista de jazz: Andrew Neiman (Milles Teller, "Noche de marcha"), que en su empeño de ser el mejor y alcanzar la excelencia -tan de moda en nuestros días en todos los campos-, padecerá los métodos de enseñanza de su profesor y director de orquesta Terence Fletcher (J.K. Simmons), famoso por emplear el miedo para motivar a sus alumnos; Entre ambos, alumno-profesor, se iniciará una compleja relación "amor-odio" sacudida por la lucha de egos.

   "Whiplash" es una película que me absorbió sin tregua, es una reflexión sobre la necesidad de sacrificar "todo" en nombre del "Arte". Un film sobre la lucha de ser el mejor en algo, sobre cómo la ambición puede convertirse en una adicción, en una enfermedad que puede acabar con tu propia vida. 

  Dirigida por Damien Chazelle, al parecer un músico frustrado y guionista de "Grand Piano" (Eugenio Mira, 2013), quien se inspiró en uno de sus maestros para realizar la película. Su opera prima fue "Guy and Madeleine on a park bench" (2009), un homenaje al cine musical norteamericano de los cuarenta y cincuenta.

   Chazelle nos hace ver en este cautivador film que ya no es suficiente con ser bueno en algo, hay que ser el mejor, así lo entiende Andrew Neiman, el talentoso músico que se enfrentará al escrutinio de un profesor autoritario, chillón que desprecia y humilla a sus alumnos, llegando incluso, a la agresión física. También es cierto, que a medida que va desarrollándose la trama, nos damos cuenta que ni el joven alumno es tan manso y dócil como lo pintan, ni el profesor es el monstruo que nos retratan en el film, aunque éste último se guardará un as en la manga en el memorable final de la película. 

  El largo evoluciona a un ritmo trepidante, con un montaje y desarrollo narrativo impecable, pero lo mejor, sin duda, son las interpretaciones de los dos actores principales. El joven Teller, y, sobre todo, el veterano J.K. Simmons, con un trabajo que corta la respiración: sus miradas, sus gestos, sus manos...lo dicen todo. Ya se adjudicó el Globo de Oro hace un par de semanas, y ganará -seguro- el Oscar como Mejor Actor de Reparto en la próxima ceremonia que se celebrará el 22 de febrero en el teatro Dolby de Los Ángeles.

  A J.K. Simmons le vimos en la Trilogía Spider-man de Sam Raimi (2002/07), y en "Juno" (2007), encarnando a un comprensivo padre de una adolescente embarazada (Ellen Page). Simmons es un actor con un carisma tal, que igual puede hacer de villano aterrador, como interpretar papeles cómicos y amables. En la película que nos ocupa "Whisplash", se presenta como un personaje que da miedo, pero que al mismo tiempo, cautiva a sus alumnos, ya que de lo contrario, saldrían despavoridos de sus clases.

  Película totalmente recomendable por el apasionante duelo interpretativo y, por el soberbio trabajo de J.K. Simmons.

  Como curiosidad, añadir, que el director Damien Chazelle, tras no encontrar suficiente financiación para producir la película -porque nadie apostaba por un largo sobre un baterista de jazz- se vio obligado a hacer el corto "Whiplash", el cual le ayudó a conseguir el dinero necesario para llevar a la gran pantalla su gran sueño. ¡Enhorabuena!

  "No hay dos palabras más dañinas para un músico que: BUEN TRABAJO". (Whiplash)
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<![CDATA[" The Imitation Game". (Descifrando Enigma).]]>Mon, 19 Jan 2015 21:11:58 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/-the-imitation-game-descifrando-enigma
Calificación: 4 sobre 5. (Muy buena).
Nominada a ocho Premios Oscar.

   Biopic/thriller sobre el matemático, criptógrafo y filósofo británico: Alan Turing (Benedict Cumberbatch), quien descifró el sistema de comunicación secreto de los nazis en la Segunda Guerra Mundial, contenido en la máquina Enigma. Ahorrando dos años de contienda, y salvando con dicha proeza, a más de catorce millones de personas. Sin embargo, lejos de ser admirado como un héroe de guerra, Turing fue enjuiciado y procesado por el gobierno británico en 1952, acusado de ser homosexual.

   Dirigida por el noruego Morten Tyldum (Headhunters, 2011), y basada en el libro de Andrew Hodges, la película abarca tres segmentos clave de la vida de Alan Turing, a través de diversos flashbacks y flashforwards que van alterando la secuencia cronológica de la historia. En primer lugar, sus años de adolescencia en un internado, acosado por sus compañeros constantemente, excepto por uno: Christopher, del que veremos irse enamorando. El segundo segmento del film se centrará en el fichaje de Turing por parte de una sección de élite del ejército británico, y la construcción de una revolucionaria máquina: "La bomba" o "Christopher" -como la llamará el matemático en el film-, que fue capaz de descifrar el código "Enigma" que usaban los nazis para comunicarse entre si. Y, unos años más tarde, tras la contienda, la caída en desgracia de Alan, el momento en que, tras sufrir un asalto en su domicilio, acaba desvelándose su homosexualidad, siendo detenido, juzgado y castigado con la castración química.

   Se trata de un magnífico y reflexivo film que te absorbe por su humanidad y por la conmovedora historia del criptógrafo, donde descubriremos a un hombre cuya mente era torpe para captar los mensajes con los que sus allegados se comunican, pero que, sin embargo, fue un auténtico genio para descifrar los códigos nazis.

  Impecable el guión y su puesta en escena, con unos interpretes de lujo, sobre todo, Benedict Cumberbatch, el alma de la película, quien realiza el mejor trabajo que ha hecho hasta la fecha -merecedísima su nominación al Oscar a Mejor Actor-, con una interpretación llena de matices, que expresa el interior de un ser atormentado, machacado y castigado por una sociedad injusta. Y con unos secundarios inmejorables: Keira Kninghtley -nominada a Mejor Actriz de Reparto por este film, aunque yo la vi mucho mejor en "Begin Again". Matthew Goode y Mark Strong también tienen sus minutos de gloria en la película.

  "The Imitation Game" es el retrato de un hombre y de una sociedad, la británica, llena de contradicciones y restricciones. Pero, además, el film habla no sólo de los secretos de Estado, sino también, de los secretos personales que hicieron fuerte a una persona, pero que acabó significando su perdición.

  Destacar la banda sonora del compositor francés Alexandre Desplat (Philomena y Renoir), y también la gran fotografía de la mano del español Oscar Faura.

  Totalmente recomendable este homenaje a una personalidad cuyo único pecado fue ser diferente en una época -ojo- no tan lejana.
  
  "A veces la persona a la que nadie imagina capaz de nada, es la que hace cosas que nadie imagina". (The Imitation Game).
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<![CDATA["Exodus: Dioses y reyes"]]>Sun, 11 Jan 2015 18:39:58 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/exodusdioses-y-reyes
Calificación 3 sobre 5. (Buena).

   Narra la historia bíblica de Moisés (Christian Bale "La gran estafa americana"), el hombre encomendado por Dios para liberar al pueblo judío de la esclavitud en Egipto, y conducir el Exodo hacia la tierra prometida. 
   El film arranca con la batalla de Qadash contra los hititas, donde Moisés salvará de una muerte segura a Ramsés (Joel Edgerton "El gran Gatsby") quien se mostrará receloso  de la acción de su "casi hermano" por culpa de una profecía. A partir de ahí, ambos se distanciarán hasta romper su relación totalmente.

   Realizada por el irregular director británico Ridley Scott, la cinta que cuenta con secuencias de acción espectaculares, como las de las diez plagas o la apertura del Mar Rojo, peca de dar poco protagonismo a sus personajes: la madre de Ramsés, interpretada por Sigourney Weaver, apenas aparece en pantalla, o el sabio anciano Nun (Ben Kingsley), quien le revelará a Moisés su auténtica identidad...Tampoco queda bien reflejado uno de los temas más interesantes de esta epopeya, como fueron las dudas del pueblo hebreo con Moisés durante la dura travesía hacia la tierra prometida (Canaán), representada en el episodio del becerro de oro, que sólo dura unos segundo en el metraje. Según el Antiguo Testamento, muchos judíos murmuraban contra su líder alegando que era mejor estar bajo el yugo egipcio que seguir las penurias de tan larga travesía. Incluso, Scott, cuenta muy poco de la relación de Moisés con su mujer Séfora, interpretada muy dignamente por la española María Valverde ("Tengo ganas de tí"). 

   "Exodus: Dioses y reyes", no es una versión de "Los diez mandamientos", que el genial Cecil B. de Mille rodó en 1956, donde Charlton Heston era Moisés, y Ramsés II era interpretado por el carismático Yul Brynner. En esta ocasión, Ridley Scott, aporta su opinión de la historia en cuanto a la presencia espiritual de Dios, mostrándole como un niño tozudo y vengativo, mientras que De Mille optó por la voz en off de Dios.

  Sobresaliente a nivel técnico, con un magnífico despliegue visual, gran fotografía y unas localizaciones soberbias (Almeria y Fuerteventura, entre otras), que recrean el Antiguo Egipto, el Mar Rojo y el Monte Sinaí.

  En cuanto a la interpretación, el mejor, Christian Bale, un personaje mucho más humano y menos predicador que el Moisés de Cecil B. de Mille. Sin embargo, decepcionante ha sido, en mi opinión, el trabajo de John Turturro, quien no está a la altura de su talla como actor, encarnando al padre de Ramsés, el faraón Seti I. Joe Edgerton, sólo correcto. 

  El guión no llegó a cautivar mi atención al cien por cien, haciéndose pesada conforme iban transcurriendo los minutos. En algunos diálogos encontrarán similitudes con la actual situación, pues la intolerancia religiosa y la xenofobia siguen, desgraciadamente, estando presente en nuestra sociedad. Mucho peor, diría yo, que cuando sucedió esta historia hace unos 5.000 años.

  Hermosa banda sonora de la mano de español Alberto Iglesias.

  La película es un homenaje personal a la figura del hermano del director, Tony, quien falleció en 2012,

Otros films de Scott recomendables:
-Blade Runner(1982).
-Thelma y Louise (1991).
-Alien: el octavo pasajero (1979).
-Gladiator (muy buena) (2000).
-Prometheus (2012).
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<![CDATA["Dios mío, ¿Pero qué te hemos hecho?]]>Sun, 21 Dec 2014 15:32:15 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/dios-mio-pero-que-te-hemos-hecho
Calificación: 3 sobre 5. (Buena).

   El matrimonio Verneuil, Claude (Christian Clavier) y Marie (Chantal Lauby), una pareja burguesa, católica y de provincias, será testigo de cómo las bodas de sus tres hijas mayores, no han sido como ellos soñaban. Nunca imaginaron como yernos a un musulmán, a un judío y a otro chino. Los Verneuil, sin embargo, esperan que su hija menor, Laura (Élodie Fontan), se case con un católico...algo que no saldrá exactamente como ellos esperaban.

   A priori, les diré que el título del film no llamó mi atención, pero le di esa oportunidad que el cine francés se merece; y acerté, pues a los pocos minutos del inicio de la película, se produjo mi primera carcajada.

  "Dios mío, ¿Pero qué te hemos hecho?" es una especie de "Ocho apellidos vascos" a lo grande. Mientras que en ésta se ridiculiza los tópicos entre regiones (vascos versus andaluces), en la película francesa, los tópicos entre los protagonistas son más universales, pues se basan en las diferencias entre varias culturas o religiones distintas.

  El director Philippe de Chauveron refleja en esta cinta los matrimonios interraciales y la diversidad cultural actual francesa. 

  El argumento del film hace que, por la vía del matrimonio, convivan franceses "puros" con árabes, judíos, chinos y católicos de Costa de Marfil, examinando diversos estereotipos culturales.

  La intención del cineasta francés, según afirmó en una entrevista reciente, fue la de rodar una película que se opusiera a las tesis segregacionistas del Frente Nacional de Marine Le Pen. 

  El film, aunque está siendo un taquillazo en Francia, en otros países como Estados Unidos, se están negando a proyectarla, afirmando que se trata de un largometraje racista porque perpetua clichés. Según los expertos anglosajones, el mensaje del largo es que los franceses eran un poco racistas, pero que al final acababan entendiéndose gracias al sentido común, logrando así los objetivos de "igualdad" y "fraternidad" que siempre ha recogido su idiosincrasia.

  Lo que no se puede cuestionar es que Phillipe de Chauveron, autor de otras cuatro cintas que hasta la fecha, no se han exhibido en España, tiene un sentido del humor burdo y tosco. Ejemplos en la cinta que nos ocupa hay muchos, como cuando el yerno judío llama al yerno árabe: "Arafat"...

  Aunque el guión es un poco simple, los actores están especialmente divertidos. Sobre todo, el veterano matrimonio: "el padre" Christian Clavier (el primer Asterix cinematográfico), un racista aburguesado y gaullista que intenta ser abierto pero que le traiciona el subconsciente. Y, como no, "la madre" Chantal Lauby ("La jaula dorada"). 

  Para finalizar, decir que es una comedia que trata el tema del racismo oculto con "gracia", que nos hace reír a base de los topicazos de las diferentes culturas, y que pone de manifiesto que los prejuicios, por muy grandes que sean, pueden ser derribados, eso si, con "VOLUNTAD".
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<![CDATA[ "Escobar: paraíso perdido"]]>Sat, 29 Nov 2014 14:01:21 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/pablo-escobar-paraiso-perdido1
Calificación: 3 sobre 5. (Buena).

   El film narra la historia de un surfista canadiense, Nick (Josh Hutcherson, visto en la saga "Los juegos del hambre"), que llega a las playas de Colombia junto a su hermano, creyendo que han encontrado el paraíso. Una vez allí, el protagonista se enamora de la sobrina del narcotraficante más famoso de todos los tiempos: Pablo Escobar (Benicio del Toro). Nick, muy a su pesar, se adentrará en la organización criminal, convirtiéndose su vida en una auténtica pesadilla.

  Peculiar thriller en el que debuta como director y guionista, el también actor italiano, Andrea Di Stefano.

  No se trata de un biopic del capo de la droga, es más bien un cuento de ficción en el que Pablo Escobar es el contrapunto del ingenuo Nick, quien representa la pérdida de la inocencia de un país, el de Colombia; que amó y odió apasionadamente y en la misma proporción, en un momento dado (años ochenta-noventa), al mayor sanguinario hasta la fecha del narcotráfico. Fue considerado el criminal más rico de la historia con una fortuna aproximada de 30 billones de dolares en 1993, el año de su fallecimiento.

  El cineasta nos presenta a un Pablo Escobar con dos personalidades: una familiar y comprometida socialmente con un pueblo necesitado de esperanza. Una especie de Robin Hood que traficaba con cocaína y a la par hacía obras benéficas a favor de los más pobres; pero también a un hombre que se convirtió en un monstruo, que llegó a creerse Dios; de hecho, hay un momento al final del largometraje en que lo pone de manifiesto.

  Benicio del Toro se hace dueño de la historia sin llegar a ser el protagonista principal. Aunque el film se centra en el romance de postal entre Nick (un soso, Josh Hutcherson) y la sobrina del narco: "María" interpretada por la española Claudia Traisac; es, en mi opinión, la parte más floja de la película. Ésta cobra interés cada vez que sale en escena la inteligencia interpretativa de Benicio, quien se come la cámara literalmente. Se ha convertido en la mejor opción para encarnar personajes con carisma por su contundente físico y sus soberbias interpretaciones.

  Steven Soderbergh le dirigió en dos trabajos fundamentales en su prolífica carrera: "Traffic" (2000), donde ganó el Oscar al Mejor Actor de Reparto; y en el díptico sobre Ernesto Guevara: "Che: El Argentino" y "Che: Guerrilla", ambas de 2008. Todas recomendables.

   Di Stefano sabe reproducir en la pantalla una fuerte tensión en los momentos de más violencia del film, como cuando intenta dar caza al joven Nick que, tras desobedecer el código criminal de quien con el paso del tiempo se ha convertido en su familia y jefe, es capaz de plasmar una brutalidad poco vista en el cine hoy en día. Sorprende que sea su primera película como director.

  En la cinta participan dos españoles. No sólo Claudia Traisac, un bellezón que aún le queda mucho recorrido por delante, sino también un solvente Carlos Bardem, que borda su papel de acólito de Pablo Escobar.

  El mejor: Benicio del Toro, sin duda.
   

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<![CDATA["Matar al mensajero"]]>Sun, 23 Nov 2014 21:57:56 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/matar-al-mensajero
Calificación: 4 sobre 5 (Muy buena).

   Gary Webb (Jeremy Renner) es un reportero de investigación que goza de una buena reputación por su rigor periodístico, y que trabaja para el modesto periódico "San José Mercury News". Un día, la novia (Paz Vega) de un hombre que va a ser acusado de narcotráfico se pone en contacto con él y le propone un trato: ofrecerle una serie de documentos que relacionan a la CIA con la venta de drogas en los barrios más desfavorecidos de Los Ángeles, a cambio de que investigue el caso de su novio.

   Así comienza esta interesante historia basada en hechos reales, cuyo guión se inspiró en el libro de Nick Schou y el propio Gary Webb. (Éste último, ganador del premio Pulitzer). Webb descubrió en 1996 algunos hechos extraños sucedidos en los años ochenta. Investigó durante más de un año, visitó como reportero las cárceles de California, las zonas de poder de Washington, viajando, incluso, a Nicaragua para destapar los oscuros negocios entre la CIA y la droga. Lo denunció todo en su periódico en una serie de artículos bajo el título "Dark Alliance", en los que aseguraba que se permitía que el crack entrara de forma masiva en los barrios negros de los suburbios de Los Ángeles. 

  Según sus investigaciones, el Gobierno colaboró con la Contra nicaragüense, utilizando la droga como medio para conseguir dinero y armas. Pero Web no lo tuvo fácil. Sus teorías fueron negadas por el Gobierno. Los medios de comunicación más prestigiosos se pusieron en su contra; sus jefes, que en un principio le apoyaban, se vieron presionados por parte de quienes estaban todavía más arriba, y le dejaron solo. Hasta las fuentes que le habían facilitado toda la información se desdijeron, con lo cual todo se vino abajo. Dañaron el prestigio de Webb, llegaron a amenazar a sus hijos. En definitiva, una investigación que acabó con su carrera profesional y personal.

  Dirigida por Michael Cuesta (Homeland), el film es una mezcla de thriller policiaco-periodístico y biopic que recuerda a las grandes películas del mismo género de los años setenta, como "Los tres días del Cóndor" (1975) de Sydney Pollack y "Todos los hombres del presidente" (1976) de Alan J. Pakula. (Recomendables)

  Thriller bien construido con un ritmo ágil y trepidante que te atrapa desde el minuto uno, y cuenta con un reparto de lujo: soberbia es la interpretación de Jeremy Renner ("El legado de Bourne", "El sueño de Ellis"), que junto a Andy García y Ray Liotta nos presentan a unos personajes muy interesantes.

  "Matar al mensajero" es una crítica hacia la CIA y al gobierno de Estados Unidos; pero sobre todo, es una crítica a los medios de comunicación; a la libertad de expresión y de prensa; a los poderes que hay detrás de las grandes canales de televisión y periódicos, que son los que "desgraciadamente" deciden en última instancia qué es lo que se va a retransmitir y publicar.

  En diciembre de 2004, y con sólo 49 años, Gary Webb apareció muerto con dos tiros en la cabeza. Se dijo que fue un suicidio. Sin palabras.
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<![CDATA["Interstellar"]]>Mon, 10 Nov 2014 23:28:46 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/interstellar
Calificación: 4 sobre 5. (Muy buena).

  El film nos sitúa en un futuro próximo donde la Tierra con el cambio climático y los desastres ecológicos ha sido devastada; sólo se sobrevive con la agricultura del maíz. Un grupo de exploradores: Cooper (Matthew McConaughey), un ex piloto de la NASA e ingeniero convertido en granjero, junto con otros científicos como Amelia (Anne Hathaway), intentarán encontrar planetas habitables en otra galaxia con la intención de trasladar allí a los humanos.

  El argumento de este viaje cósmico se centra en dos pilares fundamentales: por un lado, en la idea de que la Tierra tiene los días contados, ya no es un hogar seguro para nuestra especie; y por otro, "el melodrama familiar": la relación casi mágica entre el padre protagonista (McConauhthey) y su hija.

  El director londinense, Christopher Nolan, quien ha escrito también el guión junto a su hermano Jonathan, inicia su épica odisea con un dilema: a) Quedarse en la Tierra moribunda y sembrar maíz para sobrevivir durante un tiempo; b) Viajar al espacio en busca de otro lugar capaz de albergar al ser humano.

  Se trata de un film complejo -inspirado en la teorías del astrofísico Kip Thorne- y que abarca una serie de teorías científicas: la de la relatividad, los campos gravitatorios, la quinta dimensión, los agujeros negros...así como la idea surrealista de los agujeros de gusano que doblan el espacio como si fuera un folio juntando dos puntas muy lejanas (así lo describe uno de los protagonistas). Por cierto, Nolan le ofreció a Kip Thorne participar como actor en un papel, el de maestro de la ciencia. Finalmente fue interpretado magistralmente por Michael Caine.

  Cine lleno de espiritualidad que en mi opinión abusa del lenguaje científico y con un ritmo de información vertiginoso. También sobra media hora de metraje.

 Fascinantes las imágenes que te hacen pensar y sentir como las de las olas gigantes en el planeta de agua o la presentación de los agujeros de gusano como portales tridimensionales.

  En cuanto al reparto actoral, correctas Anne Hathaway y Jessica Chastain. Mucho mejor, sin embargo, Matthew McConaughey, capaz de sacrificarse por encontrar en el espacio un sitio seguro para su familia. Su personaje nos hará reflexionar sobre cómo las expectativas de la humanidad tienen que ser mayores que las expectativas personales.

  En definitiva un viaje espacial hacia un futuro que nos pone de manifiesto los efectos de las alarmas climáticas del presente. Para disfrutar del film el espectador tendrá que abrir su mente, si no, le aconsejo que no vayan a verla. 

  La partitura musical de Hans Zimmer es excepcional.

   Otros éxitos de Christopher Nolan son:
Memento (2000).
El caballero oscuro (2008).
Origen (2010).

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<![CDATA["Dos días, una noche"]]>Sun, 09 Nov 2014 14:45:44 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/dos-dias-una-noche
Calificación: 3 sobre 5. (Buena).

   Sandra (Marion Cotillard) es una empleada en una fábrica de paneles solares a quien despiden tras una votación. La empresa -obligada a recortar gastos- ofrecerá a los trabajadores dos alternativas: a) eliminar un puesto de trabajo o, b) suprimir la paga extra de mil euros que cobra cada uno de ellos. La mayoría de los compañeros optarán por la primera. Pero a Sandra, los jefes le conceden otra oportunidad. El lunes se repetirá la votación, por lo que contará con el fin de semana (Dos días, una noche) para convencer a la mitad más uno de sus colegas para que se decanten a su favor.

   El film dirigido por los hermanos belgas, Jean-Pierre y Luc Dardenne es un drama social en torno a la crisis económica. La protagonista arrastrada por una salvaje política empresarial se verá obligada a ir de puerta en puerta para exponer su postura a cada uno de sus compañeros sobre la decisión que afecta a su futuro. Sandra estuvo de baja por depresión y, aunque cuenta con el apoyo incondicional de su marido (Fabrizio Rongione), todavía no tiene confianza en si misma para llevar a cabo esa aventura. Sin embargo, asumirá la responsabilidad de luchar por su puesto de trabajo.

  "Dos días, una noche" nos habla de una alternativa solidaria en un mundo dominado por el capitalismo, donde existe una obsesión por la productividad que obliga a los trabajadores a competir entre ellos. Mil euros es la cantidad que separa la solidaridad del individualismo.

  El periplo de Sandra les permite a los realizadores belgas rodar a pie de calle y acercarse a los problemas e inquietudes de los diferentes compañeros de la protagonista. Sandra no comprenderá, aunque les respete, que sus colegas prefieran cobrar la paga extra de mil euros en vez de votar para que ella se quede en la empresa. La película no juzga a ningún personaje, decida lo que decida. En eso consiste su gran fuerza.

  Intensa y cautivadora es la interpretación de Marion Cotillard (posiblemente, candidata a Mejor Actriz en los próximos Oscar), quien lleva el nervio por dentro y la calma por fuera. Buscará la empatía en unos compañeros que también tienen sus propios problemas para llegar a fin de mes. Veremos reflejados en los rostros de los personajes: la pena, la tensión al pedir auxilio, el egoísmo de la supervivencia...unos empleados que "sobreviven" al igual que la frágil protagonista, necesitada de una seguridad en si misma que recurrirá constantemente a las pastillas para suplir el coraje que la depresión sufrida en el pasado le hizo perder.

   Los Dardenne ponen de manifiesto en esta película la importancia del ejercicio de la política y del derecho a decidir, dejando claro que hasta el último voto cuenta.

  Recordar que Marion Cotillard ganó el Oscar a Mejor Actriz con la película "La vida en rosa" (2007) de Olivier Dahan, donde interpretaba a Édith Piaf. (Recomendable).

  Otros films de Jean-Pierre y Luc Dardenne son:
"Rosetta" (1999). Muy buena.
"El niño" (2005).
"El silencio de Lorna" (2009).
"El niño de la bicicleta" (2011). Con la exquisita Cecile de France. Un cuento sobre la maternidad, sobre la asunción de una responsabilidad que a veces poco tiene que ver con los vínculos sanguineos. 
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<![CDATA["Relatos salvajes"]]>Fri, 31 Oct 2014 17:52:20 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/relatos-salvajes
Calificación: 4 sobre 5. (Muy buena).

   La película consta de seis relatos independientes unidos por el tema de la venganza, donde sus personajes se verán abocados hacia el abismo, cruzando la difusa frontera que separa la civilización de la barbarie. Historias de comedia negra y drama que alternan a la perfección la intriga, la violencia y el humor; y que nos relatan situaciones conflictivas de la vida cotidiana, esas a las que todos hemos estado expuestos en algún momento de nuestra vida y que normalmente reprimimos, eligiendo no responder a las agresiones externas. 

  El film está dirigido y escrito por el argentino Damián Szifrón, su tercer largometraje -el segundo fue "Tiempo de valientes" (2005)-. El cineasta consigue en esta cinta que las historias resulten divertidas y aterradoras al mismo tiempo. 

  La película me absorbió de principio a fin, la clave es su enfoque transgresor, mezclando a la perfección el surrealismo con el suspense y la tragicomedia. 

  "Relatos salvajes" trata de temas que tocan a todo el mundo, como la crisis económica, el abuso de poder o las relaciones personales. Szifrón lleva a sus personajes a situaciones límite, reaccionando de forma exagerada. No eligen controlarse, prefieren perder los papeles, la razón...y, además, disfrutar con ello. 

  Con un plantel de actores de lujo: Ricardo Darín y Leonardo Sbaraglia, brillan en sus trabajos, pero la que me dejó descolocada, en el buen sentido, fue Érica Rivas. Su actuación es "impresionante", su personaje va pasando por varios registros, y todos lo hace espléndidamente bien. 

  En definitiva, un largo muy bien contado, con un guión original sublime, gran fotografía y tremenda música de la mano de Gustavo Santaolalla (ganador del Oscar a mejor banda sonora por la película "Brokeback Mountain" (2005) de Ang Lee.

  Aunque ha estado coproducida por Pedro y Agustín Almodóvar, el talento en la película es cien por cien argentino. 

  Es una película para disfrutar. Totalmente recomendable.
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<![CDATA["Perdida"]]>Thu, 23 Oct 2014 18:25:02 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/perdida
Calificación: 4 sobre 5. (Muy buena).

   Adaptación al cine del best-seller de Gillian Flynn "Perdida", guionista también del film; y dirigida por David Fincher ("Seven", "El club de la lucha", "La red social").

  Se trata de un tenso thriller psicológico que cuenta la historia de un matrimonio aparentemente "perfecto" formado por Nick (Ben Affleck) y Amy (Rosamund Pike). En el día de su quinto aniversario de boda, Amy desaparece misteriosamente. Pronto, todas las sospechas recaerán sobre Nick, quien ante los medios de comunicación aparece impasible, defendiendo su inocencia, pero su actitud denotará que tanto puede ser inocente como culpable.

  La trama se desarrolla sobre dos puntos de vista. Por un lado, los recuerdos de Amy, (la víctima) quien a través de una voz narrativa -con continuos flashbacks- nos relatará su diario íntimo. Amy nos empezará contando cómo comenzó la relación amorosa que terminó en matrimonio. Descubriremos a la Amy "enrollada e inteligente", la amiga y amante perfecta. Después, y tras un giro radical de la trama, conoceremos a la Amy "desaparecida" con sus impulsos autodestructivos...Por otro lado, el punto de vista de su marido Nick, con él viviremos el comienzo de una investigación policial, en la cual aparecerán datos que no conocía de su mujer. Nick es un tipo anodino y escurridizo, será examinado con lupa por todo el mundo, intentará esculpir una redentora imagen pública, pues todo lo que hace y dice levanta sospechas.
   Y todo ello, con unos inesperados giros, pasando de la intriga al melodrama y con una puesta en escena naturalista, sin artificios, ni siquiera en la narración, donde el cineasta escarba en lo que se oculta tras la fachada de un matrimonio en el que todo es "apariencia". Viven inmersos en un mundo de mentiras, dos personas que se sienten diferentes al resto de la gente, y que conforme van transcurriendo los minutos de este turbador film, nos irán despejando las incógnitas de sus propias miserias.

  "Perdida" es en definitiva, una historia sobre la manipulación de los propios sentimientos. También una crítica feroz a los medios de comunicación, al circo mediático y a la inconsistencia de la opinión pública.

  El trabajo actoral es sobresaliente. Sobre todo, Rosamund Pike ( la vimos en "Orgullo y Prejuicio" en el papel de Jane), llena de matices y ambigüedades. Respecto a Ben Affleck, quien me parece mejor director que actor, reconozco que en este largometraje, Fincher saca su máximo partido.

  "Perdida" es un film en el que nadie parece tan inocente ni tan culpable, y en el que el director nos plasma en las casi dos horas y media que dura la película su versión más cruda del matrimonio. Ahí queda eso.
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<![CDATA["La isla mínima"]]>Sat, 18 Oct 2014 14:53:48 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/la-isla-minima
Calificación: 4 sobre 5. (Muy buena).

   Thriller de serie negra cuya trama se desarrolla en un remoto pueblo de las marismas del Guadalquivir en septiembre de 1980, donde dos detectives de homicidios expedientados: Pedro (Raul Arévalo) y Juan (Javier Gutierrez), de generaciones y personalidades muy distintas, son enviados desde Madrid para investigar la desaparición de dos adolescentes durante las fiestas de dicho pueblo en las marismas sevillanas. 
   "La isla mínima" dirigida magníficamente por Alberto Rodríguez es una de las películas españolas más potentes del año, junto a "El Niño" de Daniel Monzón. Cine negro que ofrece tensión a distintos niveles.

  Basada en hechos reales, es una historia que ha pasado mucho tiempo guardada en un cajón, y que tuvo lugar en plena Transición española, época que en algunos lugares de nuestro territorio como en el que nos presenta el inquietante film de Rodríguez: un pueblo abandonado de la mano de Dios, en las marismas del Guadalquivir (a tan sólo treinta kilómetros de Sevilla) se mantenían en los ochenta las viejas estructuras del franquismo. Convivían caciques caprichosos con obreros explotados y los símbolos fascistas con las revueltas en el campo.
  Nos encontramos con una auténtica radiografía del pasado, del dolor y las mentiras. Aunque en la película se habla poco de política, el ambiente está cargado de tensión.

  A pesar de que la ambientación y la trama han sido sobresalientes, destaco el trabajo de los dos protagonistas. Dos policias enfrentados a sus infiernos más íntimos y encarnados magistralmente por Raul Arévalo (Pedro) y Javier Gutierrez (Juan). Dos detectives con metodologías opuestas que exhiben sus propias heridas: uno (Juan), pertenece al pasado de una España oscura; el otro (Pedro), se aferrará a la posibilidad de un futuro distinto, más esperanzador. Los actores clavan sus frases, sus gestos, sus miradas...Los silencios ganan fuerza en un film de ritmo pausado donde los planos aéreos son espectaculares. Es verdad, que Antonio de la Torre, quien interpreta al padre de las dos adolescentes desaparecidas, está desaprovechado. Sobresale el trabajo de Javier Gutierrez. Acostumbrada a verlo siempre en papeles cómicos, encuentro admirable su actuación, quien representa con una gran fuerza todo ese conflicto entre dos mundos y en el que la complejidad de su personaje revela tanto como oculta.

  En definitiva, una película de alto nivel. Ha recibido el premio de la crítica en el Festival de Cine de San Sebastián en 2014.

  Otros films de Alberto Rodríguez son:
"El traje" (2002).
"7 vírgenes" (2005).
"After" (2009).
"Grupo 7" (2012).
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<![CDATA["Boyhood"(Momentos de una vida)]]>Thu, 09 Oct 2014 20:57:59 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/boyhoodmomentos-de-una-vida
Calificación: 5 sobre 5. (Obra maestra)

   "Boyhood" es una de las películas más conmovedoras que he visto en mucho tiempo. Narra la historia de una familia de clase media suburbana del este de Texas. Con la peculiaridad de ser una historia que ha sido filmada a lo largo de 12 años (2002-2013) pero en sólo 39 días de rodaje. Y con el mérito añadido de conseguir condensar en más de dos horas y media los 12 años de la vida de un niño: Mason (Ellar Coltrane) desde los 6 años hasta los 18, cuando entra en la universidad. Período que el espectador indentificará con el relato de iniciación y en cómo la vida nos abre los ojos, y al mismo tiempo, frustra nuestros sueños. (Algo que se verá reflejado, sobre todo, en el personaje de la madre, interpretado magistralmente por Patricia Arquette). 

   Durante la proyección asistiremos a las peleas infantiles de Mason con su hermana (Lorelei Linklater, la hija del director), a la inestabilidad que les supone los constantes cambios de domicilio de su madre cada vez que cambia de pareja sentimental, los escarceos con el alcohol y el sexo; así como, la violencia que introducirán en casa dos sucesivos padrastros que ahogarán sus penas con la bebida. Todo ello plasmado con una gran coherencia y emoción. Nada resulta incongruente. 
   El director, Richard Linklater, no habla sólo del paso del tiempo en esta historia, sino también, de cómo el tiempo nos hace "humanos". Nos muestra que durante el crecimiento, la niñez (boyhood), no todo es diversión, no tienes poder; capta muy bien esa sensación de haber sido arrastrados de niños de un lado a otro por los adultos. 

  El cineasta saca a relucir su sensibilidad en distintos momentos. Emotiva es la secuencia en la que Mason (recién terminada la escuela secundaria) y tras la ruptura con su primera novia, mantiene una conversación existencialista con su padre (Ethan Hawke, fabulosa interpretación, por cierto). O el discurso de Mason sobre que no quiere vivir la vida a través de una pantalla...

  La cinta muestra de manera discreta la evolución de la moda y la tecnología, con referencias a la cultura pop del momento, así como situaciones relacionadas con momentos históricos que revelan la tendencia política del director. (Es el caso de los comentarios sobre la invasión de Irak).

  A pesar de la extensión del metraje, no resulta aburrida, debido al gran interés que genera observar el crecimiento del protagonista. 

 "Boyhood" tiene sentido en la carrera de un director que ha optado en la mayor parte de su filmografía en desarrollar relatos vinculados al paso del tiempo, como así lo hizo en la exitosa trilogía: "Antes del amanecer" (1995); "Antes del atardecer" (2004) y "Antes del anochecer" (2013). 

  Se trata de una proeza cinematográfica aderezada con una banda sonora sublime.

  

   
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<![CDATA["La entrega"]]>Mon, 29 Sep 2014 15:30:10 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/2
Calificación: 3 sobre 5. (Buena).

  Adaptación del relato "Animal Rescue" del escritor policiaco Dennis Lehane y dirigida por el belga Michaël R. Roskam (Bullhead). El film es el último que llegó a interpretar el excepcional James Gandolfini (Los Soprano), quien nos dejó el  19 de junio de 2013 tras sufrir un infarto durante sus vacaciones en Roma. 

El protagonista de "La entrega" es Bob Saginowski (Tom Hardy), un excriminal que intenta rehacer su vida trabajando de camarero en el bar de su primo Marv (James Gandolfini), ir a misa todas las mañanas y estar solo. Marv, sin embargo, es un tipo duro, un mafiosillo irlandés y antiguo convicto que montó su propia banda, que fue "alguien" en el barrio hasta que llegaron los chechenos, mafiosos sin escrúpulos que le arrebataron su bar, su mafia y su vida. El bar sirve de tránsito y de "caja" para el blanqueo de dinero de los gansters de la zona. 
  Bob intentará hacer su trabajo, pero sus esfuerzos de mantener una vida normal se resquebrajan cuando salva a un cachorro de pit bull malherido que encuentra dentro del contenedor de basura de Nadia (Noomi Rapace, Los hombres que no amaban a las mujeres), una mujer misteriosa y de pasado oscuro de la que Bob se enamora. 

   "La entrega" es un thriller con toques de cine negro, una historia de personajes que tienen poco  que perder porque en realidad, nunca tuvieron mucho. Trata del dinero sucio que lava la mafia chechena a través de las recaudaciones que se depositan en el bar de Marv, personaje interpretado magistralmente por Gandolfini, quien una vez creyó que era alguien y quien no se resigna a ser un perdedor. Su primo, Bob, sin embargo, cuidará a la clientela más necesitada, todo en él denota resignación y soledad, nunca se queja. 

  Asistimos, durante la proyección, a notables giros en la historia conducida con sutileza y tesón por el realizador belga. Nos adentraremos en una atmósfera realmente oscura, en un ambiente en el que parecer "tonto" es la mejor manera de sobrevivir. Aunque tengo que reconocer,  que hay momentos, en que la fuerza narrativa pierde ritmo. Lo mejor viene a partir de la segunda mitad de la película, la evolución de la trama, la descripción de los protagonista y, sobre todo, el desenlace de la historia: cómico y dramático al mismo tiempo. 

   El director ha sacado lo mejor de un elenco de actores donde destaca Tom Hardy, le vimos hace unas semanas en la original "Locke", un actor con muchos registros que siempre es creíble. Y, como no, un exultante Gandolfini, brillante y convincente, a quien el papel de mafioso le iba como anillo al dedo. 

  Por cierto, esta película acaba de recibir el premio al Mejor Guión en el Festival de San Sebastián de 2014.

Otras películas que se rodaron a partir de las novelas de Dennis Lehane han sido:

Mystic River, de Clint Eastwood
Shutter Island, de Martin Scorsese
Adiós, pequeña, adiós, de Ben Affleck
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<![CDATA["El Niño"]]>Sun, 21 Sep 2014 14:50:20 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/el-nino
Calificación 4 sobre 5. (Muy buena).

   Daniel Monzón, director de la exitosa "Celda 211" (2009), regresa cinco años después con un thriller de acción inspirado en hechos reales y donde hay cabida para la amistad, el narcotráfico, el amor...y, sobre todo, mucho espíritu denunciador, una fábula moral de lo que pasa en el mundo actual.

  El film sigue -por un lado- los pasos de dos jóvenes: El Niño (el debutante Jesús Castro), y El Compi (Jesús Carroza), contrabandistas inconscientes que no dudan en iniciarse -como si de un juego se tratara- en el mundo del narcotráfico con la intención de montárselo por su cuenta, desafiando así, a los capos de la zona. Por otro lado, la película sigue los pasos de Jesús (Luis Tosar) y Eva (Bárbara Lennie), agentes de la comisaria de Algeciras, afanados en demostrar que la ruta del hachís en el Estrecho de Gibraltar es ahora uno de los coladeros de la cocaína en Europa. Su objetivo es El Inglés (Iam McShane), el hombre que mueve los hilos desde Gibraltar.

  El camino de estos personajes a ambos lados de la ley terminará por cruzarse en un punto de no retorno en el que descubrirán que el hacerles frente a sus respectivos mundos, e ir por libres, es mucho más peligroso y complejo de lo que habían imaginado.

  Monzón fusiona estas dos historias de una manera altamente efectiva. Nos presenta una película de ritmo trepidante en la que no se da tregua al espectador. Combina con astucia la acción (con espectaculares persecuciones marítimas entre el helicóptero de la policía y la lancha cargada de estupefacientes), el drama y la comedia (con esos diálogos entre los jóvenes protagonistas que con su cerrado acento gaditano, no se les entiende prácticamente nada).

  Historia fronteriza y verdadera que surge de las vivencias reales contadas por los propios personajes de cada bando, llegando a reflejar en la pantalla las dos caras de la misma moneda. Ambientada en un enclave conocido como el "Puente de Europa" que se desarrolla en tres ciudades principalmente: Algeciras, Gibraltar y Tánger.

  Destaco el gran poder visual del metraje que muestra los insólitos contrastes entre el sur de España: con sus barrios deprimidos cuyos habitantes conviven con el trapicheo y la delincuencia de una manera natural; la Andalucía de las urbanizaciones de alto standing, con sus puertos deportivos, los campos de golf y los hoteles de lujo; así como, al otro lado del océano, el caótico norte de África.

  En cuanto al reparto actoral, sobresaliente es el trabajo de los veteranos Luis Tosar y Eduard Fernández. Más decepcionante ha sido, en mi opinión, la actuación de Sergi López, el jefe de policía capaz de dar un puñetazo en la mesa si se cuestiona su ética. 
  En relación a la plantilla de los jóvenes actores, notables han sido las interpretaciones de Jesús Carroza y Said Chatiby. Jesús Castro, sin embargo, el que da vida a "El Niño", todavía le queda mucho recorrido por delante. 

  Para finalizar, puntualizar, que esta película no tiene nada que envidiar a las producciones de Hollywood. Su ritmo, la facilidad con la que pasa de un personaje a otro, de una localización a otra, y el realismo con el que el director refleja la cotidianidad del trabajo policial, son su mejor baza. Vayan a verla, no se arrepentirán.
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<![CDATA["El hombre más buscado"]]>Sat, 13 Sep 2014 14:52:07 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/el-hombre-mas-buscado
Calificación 4 sobre 5. (Muy buena).

  Adaptación cinematográfica de la novela de John Le Carré "El hombre más buscado" que narra la historia de Issa (Grigoriy Dobrygin), un inmigrante sin papeles -mitad checheno, mitad ruso- que llega a Hamburgo para reclamar la herencia de su padre. Las Agencias de Inteligencia alemana y de Estados Unidos empezarán a mostrar gran interés por este hombre, entre ellos, el metódico Günter Bachmann (Philip Seymour Hoffman), pues están convencidos de que han localizado a un peligroso terrorista islámico.
  Con el único propósito de recuperar la herencia que su fallecido padre amasó de forma ilegal, Issa, buscará ayuda entre la comunidad islámica de Hamburgo. Conocerá a Annabel (Rachel McAdams), una abogada alemana defensora de los derechos humanos que será contratada por Issa para impedir que acaben deportándolo. Ambos se enfrentarán a Tommy Brue (Willem Dafoe), un banquero cerca de la ruina que puede acabar destrozando sus propósitos y sus vidas.

  "El hombre más buscado" es un thriller sobre el mundo del contraterrorismo con los atentados del 11-S como telón de fondo.

  El cineasta holandés Anton Corbijn, apoyado en la magistral actuación de Hoffman, nos presenta una película de intrigas conspiratorias y espionaje político, una historia reflexiva donde se nos dice más por lo que se oculta detrás de los silencios de los protagonistas que por los hechos que se proyectan en el film. 

  No esperen una cinta de acción con interminables persecuciones, efectos especiales, explosiones y tiroteos. Se trata de una historia pausada y sobria que nos muestra los entresijos de la política que devora a las agencias de espionaje. Una fuerte crítica hacia la actuación de generalizar el terror colectivo y de la paranoia generalizada por parte de EEUU tras los atentados del 11-S.

  A pesar de contar con un potente argumento, el realizador se centra en los personajes, en cómo se relacionan unos con otros. Especialmente en Günter Bachmann, interpretado por Philip Seymour Hoffman, sus poses, sus miradas. Nadie como él para interpretar a un hombre abatido, devorado por si mismo en su insaciable búsqueda de reconocimiento. Con un gesto de hastío, un vaso de whisky en la mano y un permanente cigarrillo en la boca. Un hombre honesto, convencido de estar haciendo lo correcto, que intentará llegar hasta los mandamases del terrorismo.

Todo ello ambientado en una fría Hamburgo, ciudad gris, poblada de servicios de inteligencia, CIA...que se ponen trampas entre ellos.
Lo mejor del film: la resolución final.

  Aunque la interpretación de Seymour Hoffman destaca sobre el resto del reparto, no sería justo reconocer el gran talento de actores de la talla de Willem Dafoe, Robin Wright, Rachel McAdams o Daniel Brühl; todos ellos con un impecable trabajo que quedan en un segundo plano ante la presencia del "Gran Hoffman", ganador del Oscar a Mejor Actor por "Capote" en 2005.

   Otras cintas del cineasta Anton Corbijn son: 
"Control" (2007), biopic sobre Ian Curtis, líder del grupo británico Joy Division.
"El americano" (2010), con George Clooney.

  No quisiera terminar sin manifestar la sensación de malestar que tuve durante toda la proyección al ser consciente de la enorme pérdida que para el cine ha supuesto el fallecimiento prematuro de Phillip Seymour Hoffman. Descanse en paz.



  
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<![CDATA["Jersey Boys"]]>Sun, 07 Sep 2014 19:38:36 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/jersey-boys
Calificación 4 sobre 5. (Muy buena).

   Adaptación a la gran pantalla del exitoso musical de Broadway "Jersey Boys" que cuenta la ascensión y caída de los "Four Seasons", y en especial de su líder, Frankie Valli. Una banda de poc/rock de los años 60 originarios de los barrios bajos de Nueva Jersey. La historia de cuatro individuos redimidos por la música.

   El film se inicia en 1951 con Tommy DeVito (un brillante Vincent Piazza) hablando directamente a cámara mientras se pasea por las calles de Nueva Jersey. Tommy es un delincuente de poca monta que trabaja a las órdenes del mafioso Gyp DeCarlo (Christopher Walken) y que pasa sus ratos de ocio cantando y tocando la guitarra con su banda en diversos garitos. Es un chico conflictivo y bravucón, de hecho su alias es "el chulo"; pero también está dotado de una gran intuición para detectar el talento de su amigo Frankie (John Lloyd Young) quien tiene una voz "única" y a quien convence para que se una a su grupo. Así, entre un trapicheo y otro se irá formando el que en un futuro serán los "Four Seasons" quienes compondrán temazos tan famosos como "Sherry", "Big Girls Don´t Cry, o la buenísima "Can´t Take My Eyes off You" versionada años más tarde por Gloria Gaynor.

  Poco a poco los cuatro músicos se darán de bruces con el peso de la fama, los sinsabores del éxito, que afectarán no sólo a su amistad, sino también a su integridad personal y a sus propias familias, debido, sobre todo, a los peligrosos pactos de Tommy DeVito con la mafia.

   El film está dirigido por Clint Eastwood, no hay duda que este director a sus 84 años es un Maestro prolífico que puede con todo. Demuestra con esta cinta, una vez más, una versatilidad que le permite tocar los más diversos géneros con una gran eficacia. 
   La pasión de Eastwood por la música es un hecho palpable. Ha compuesto la banda sonora de sus propias películas. También encarnó a un cantante de country alcoholizado en "El aventurero de medianoche" (1982), y retrató la vida de su ídolo, el trompetista Charlie Parker en "Bird" (1988).

   En "Jersey Boys" la historia está narrada por los propios personajes que van mostrando sus distintos puntos de vista dirigiéndose al espectador. Al más puro estilo Scorsese, recordándome especialmente a "Uno de los nuestros" (1990). Estos chicos vivían rodeados de mafiosos y cometían pequeños delitos, algunos de ellos estuvieron en la cárcel, pero la música fue su redención para alejarlos de todo ese mundo.

  Clint Eastwood demuestra una habilidad especial en la construcción de los personajes, sobre todo, en el desarrollo de la relación entre Tommy y Frankie, desde los trapicheos que realizaban en sus inicios en el barrio, hasta alcanzar la fama y el éxito, mostrándose cómo poco a poco se van invirtiendo sus papeles dentro del grupo. Mientras que en Frankie si vemos un progreso, una madurez y un hacerse cargo de sus responsabilidades; Tommy, sin embargo, seguirá comportándose como un niñato fanfarrón y egoísta. 

  Destacar que Vincent Piazza, (Tommy DeVito, en la cinta y la figura más influyente del relato) realiza un trabajo extraordinario, es el mejor de todos. Le vimos en la serie "Boardwalk Empire". El resto del reparto es poco conocido en nuestro país, a excepción de Christopher Walken, ganador del Oscar en 1978 por "El Cazador" la obra maestra de Michael Cimino.

  Sin ser el mejor largometraje de Eastwood, vale la pena visionarlo: los momentos musicales, la puesta en escena y los brillantes diálogos de sus protagonistas les harán disfrutar de este canto a la amistad y a la familia.

   Mis películas preferidas del cineasta son:

 *Sin Perdón (1992). Oscar a Mejor película y Director.
*Los puentes de Madison (1995)
*Mystic River (2003). Oscar a Mejor Actor y Mejor Actor Secundario a Sean Penn y Tim Robbins, respectivamente.
*Million Dollar Baby (2004) Oscar a Mejor Película y Director.
 *Gran Torino (2008)


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<![CDATA["Locke"]]>Sun, 31 Aug 2014 15:59:44 GMThttp://sentirelcine.weebly.com/blog/locke
Calificación: 4 sobre 5. (Muy buena).

   Ivan Locke (Tom Hardy) es un hombre que en apariencia lo tiene todo: reputado capataz de una empresa de construcción, casado y con dos hijos. Sin embargo, el día antes de finalizar un gran negocio recibe una llamada que le trastocará su ordenado mundo, pues se verá obligado a tomar una decisión crucial sobre su futuro.

   Interesante y original thriller cuya historia, narrada en tiempo real, se desarrolla íntegramente en el interior de un coche.
   Con esta cinta asistimos al claro ejemplo de cómo con pocos recursos se puede realizar una buena película. 
   Se trata de un largo minimalista que gira en torno a dos pilares fundamentales: a) un actor sobresaliente y, b) un inteligente guión (lo más atractivo del metraje).
   El único actor visible (los demás sólo ponen la voz), el estoico y resolutivo Tom Hardy, un hombre honrado que contempla cómo se va desintegrando su mundo durante la trayectoria automovilística (de Birminghan a Londres) más determinante de su vida. Y todo, por un sólo "pecado" cometido en el pasado capaz de desestabilizar su integridad moral.
   La película se centra en las sucesivas llamadas al teléfono manos-libres que el protagonista realizará y recibirá para mantenerse en contacto con las distintas piezas de su vida: familiar y laboral. Llamadas necesarias para que Locke pueda redimir las repercusiones de sus actos.

   El actor Tom Hardy lleva el peso de la historia, realiza un trabajo extraordinario, basado en las expresiones faciales y gestuales. Maneja muy bien la psicología del personaje que interpreta, luchará por sus principios, por hacer lo correcto mas allá de las consecuencias.

  "Locke" es el segundo film dirigido por el británico Steven Knight; Es también el guionista, no sólo de la cinta que nos ocupa, sino también de las excelentes "Negocios ocultos" (2002) de Stephen Frears y de "Promesas del Este" (2007) de David Cronenberg. Recomendables.

   El cineasta establece en este film una comparativa entre la profesión del protagonista y su entorno más cercano. Ivan Locke sabe que unos sólidos cimientos son la base angular no sólo del edificio que lleva entre manos, sino también en las relaciones familiares, laborales o personales. 
   Originales son las escenas en las que Locke habla por el retrovisor con el fantasma que le acecha: un padre ausente al que intentará no emular por nada del mundo.

   En resumen, nos encontramos ante una obra "especial"y muy original sobre la necesidad de ser honesto a pesar de lo que perdamos por el camino. Está muy bien ambientada y cuenta con una elegante banda sonora y una fotografía a la altura de las circunstancias. No se me hizo aburrida, todo lo contrario, me mantuvo pegada al asiento durante toda la proyección.

  Otros largometrajes cuyos principales protagonistas se pasaban la película enganchados a un teléfono son:
"Cellular" de David R. Ellic (2004) con Kim Basinger.
"Última llamada" de Joel Schumacher (2002) con Collin Farrell.
"Enterrado" de Rodrigo Cortes (2010) con Ryan Reynolds.

  Al protagonista de "Locke" (Tom Hardy) le vimos en "El caballero oscuro: La leyenda renace" (2012), la última entrega de la trilogía sobre Batman de Christopher Nolan. Y le veremos el próximo año en " Mad Max: Furia en la carretera.
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